书画鉴定最易惹争议

　　鉴定一幅古代书画，应该从哪些方面入手？也许一个小小的细节就可以为我们鉴伪存真。何香凝美术馆第二期“艺术史研究工作坊”以古代书画鉴定为主题，邀请专家学者就古书画鉴定的多个方面展开探讨。近日，国家博物馆研究馆员朱万章做客“艺术史研究工作坊”，分享了他在书画鉴定与美术史研究方面的心得体会。

　　最重要的是“望气”

　　与其他文物鉴定不同的是，书画鉴定是目前所有鉴定门类中，唯一不能靠科技手段来代替的一个文物鉴赏文类。从此前的《砥柱铭》到近期的《功甫帖》，书画鉴定也是最易引起争议的，究其原因，正是因为缺少统一的标准，书画鉴定本身就有一定的模糊性。所以，朱万章强调，要进入这一门类，最重要的是掌握基础知识，一方面多看作品的原件，另一方面多了解书画家个性的东西。比如了解他们的印章、笔墨、笔性，以及常用的字号、甚至籍贯、出生年月。“你了解的知识点越多，那你掌握的信息量就越大，你得出的结论就越接近正确。”

　　一般说来，书画鉴定主要分为两类因素，一个是主要因素、一个是次要因素。书画鉴定的主要因素最重要的一点是时代风格，很多书画鉴定家把它归结为“望气”。朱万章说，“所谓的‘望气’，就是当我们打开一幅画的时候，这幅画整体所表现出来的时代气息，而这种望气往往是说不出具体原因的，比如我们打开一幅画之后马上就能知道这幅画是宋朝的、还是明朝的、还是清朝.这就是长期在脑海里形成的一些经验性的东西。”

　　著名鉴定家徐邦达先生有一个绰号叫“徐半尺”，就是打开半尺就知道这幅画的真伪，这是因为他有非常丰富的经验，一眼就能看出这幅画的时代气息。如果它的时代气息不对，那么其他的笔墨、技巧或者其他的材料再对，这幅画都可能是假的。

　　而要了解一个时代的气韵风格，就要了解这个时代的一些共性的东西，最重要的一点就是要大量地看这个时代的一些实物、看一些大量的书画的原件。对此，朱万章的经验是，如果想了解哪一个朝代的一些重要的风格的时候，就把这个朝代重要的书画家全部找出来。

　　根据形制判断年代

　　“望气”是鉴定书画的一个最重要的依据，但望气又往往会出现很大的人与人之间的偏差。比如说同一件画，有人说它是明朝早期的，有人说是宋朝的，因为其实明朝早期和宋朝的风格非常接近，都是受到院体绘画的影响。要确定哪一个更正确，就要对这个画本身的细节作一些更深入的研究。

　　朱万章讲了这样一个故事，曾经有一个书法鉴定家接到一个电话，来电人说自己家里收藏了一副岳飞的对联，请他鉴定一下真伪。鉴定家马上告诉他，这副对联肯定是假的，不需要看实物、也不需要打开，一定是假的。人家问他为什么是假的？他说，对联这种形式到明朝晚期以后才出现，而岳飞是宋朝的，显然不可能在宋朝的时候出现对联。后来这个人不信，把作品拿去进行科技鉴定，结果材料检测出来是清朝的。这就涉及到了书画鉴定的第二个方式，以形制来判断时代。

　　对联最早称为“楹联”，“楹”字有“木”字旁，因为它最早是刻在木头上，挂在建筑物门两边的，最早出现在五代时期，后来由于不便收藏，才在明朝后期，慢慢演变为写在宣纸上，可以挂在书房和厅堂的对联。而这个后期具体的时间点，就是在董其昌、米万钟、张瑞图等人的年代，到目前为止，还没有发现过一副对联早于董其昌他们所在的年代。

　　朱万章说，不同形式的对联出现的年代也不同，比如龙门对，对联的上款和下款都在中间部分，中间部分形成一个空位，这个空位好比我们现在所见到的龙门架一样。像这样的龙门对的出现是在清朝乾隆时期，如果我们发现乾隆以前的龙门对，那这一副对联肯定是有疑问的。另外还要注意书体的演变，像篆书这种书体在秦朝的时候就已经有了，但是在对联里面出现篆书是到乾隆时期才有，乾隆以前的对联几乎都是行书、楷书或草书。而篆书的书体在对联里面出现，几乎都是在乾隆嘉庆以后。为什么呢？这是因为乾嘉时期金石考据学的兴盛以及大量碑版的出土，使得篆书和隶书出现了一个复兴的现象。所以，很多对联、书体里面出现了篆书。到了晚清民国时期，还出现一批像甲骨文、像经文的对联，尤其是甲骨文，甲骨文是1898年由山东的一个文人王懿荣发现的，此后很多的收藏家、书法家趋之若鹜，他们对甲骨文非常有兴趣，有的人对甲骨文进行临摹，演变为创作书法。所以在1898年以后，开始出现了大量甲骨文的书法作品，这也是一个决定性的年款。朱万章说，“如果看到一副用甲骨文写的对联是1898年以前的，那这个作品一定要打一个问号，极有可能是假的。”

　　与对联相对应的是屏条。屏条所出现的年代、所产生的演变过程和对联有非常相似之处。在唐朝和宋朝的很多人物画中，都可以看到大量有画的屏风，这可能就是最早的屏条。但这种屏条演变成在宣纸上创作的书法或者绘画，也是在晚明时期。像董其昌、张瑞图都有大量的书法屏条出现。在清代后期，出现了多人合作书法条屏，或是同一个人所书的四屏为不同书体的现象。

　　朱万章讲到的第三种特殊的形制是扇面。目前我们能看到的传世最早的扇面出现在宣德二年，也就是公元1427年，是由明宣宗所创作的一个设色山水人物折扇画，由北京故宫博物院收藏。所以说，基本上可以以1427年为一个时间点，如果发现有比1427年更早的折扇画，对这件作品就可能要作深入的考察。现在我们普遍所见到的扇面，是从明代中期开始、在万历和崇祯年间开始广泛流行。后来为了收藏和鉴赏的方便，很多折扇被抽除扇骨装裱成单页。现在我们在市场上所看到的这种扇面，要比看到的成扇多得多。因为成扇现在比较少，同时成扇包括有大量工艺制作、刻工在里面，所以现在在市场上所见到的成扇要比扇面贵出很多倍，这是目前收藏的一个趋势。

　　不同时代不同的落款习惯

　　除了从形制上判断年代之外，还可以从款式上入手，不同年代的人有不同的落款习惯。款式分为上款和下款，上款是指接受书画者的名款，下款则是创作者的名款。既有上款、又有下款的，就称为“双款”。大部分作品是没有上款的，一般都是单款，也有的根本不署款直接盖一个印，像张大千、齐白石等，大量晚期的山水画几乎都是没有署款直接盖一个印的。如果既没有署款、又没有盖印的作品，现在一般不认为它是一件完整的作品，它可能是一件无名氏的作品。像明清时期无款的作品，基本上研究价值不大。但是在宋元时期无款的作品，是具有非常重要的价值的。现在看到的大量的宋朝的小品画是没有款、也没有印的，只是有一些收藏印。

　　宋朝的画家主要分为两类：一个是职业画家，一个是文人画家。文人画家的署款是比较多元化的，像苏东坡的，上面既有题诗，也有印，还会落上自己的名款。而职业画家就不同，宋朝的职业画家署款有一个最大的特点，就是一般是用很小的字写在山石树隙或者其他极为隐蔽的地方。为什么出现这样一种情况呢？因为当时宋朝很多的职业画家身份、地位比较卑微，很多是受雇于有钱人。很多人请人画了画之后，不愿意署款，直接送上一些无款的作品。所以，我们现在见到大量的宋朝的画作是无款的作品。即使要署款，也是署在一些不起眼的地方。

　　到了元朝的时候，因为文人画极为兴盛，所以款识上基本上是诗、书、画相结合。比如以黄公望、吴镇、倪云林、王蒙及赵孟頫等为代表的画家，署款都是具有文人气息的，而且是诗、书、画相结合，这个是元朝画家的一个署款习惯。

　　到了明朝的时候又分成两类，文人画家署款宋元明清几乎都没有什么大的区别，都是诗、书、画相结合的。而职业画家的署款不再是在树缝、草丛中，而是署在一个非常重要的中心位置。比如明朝前期的宫廷画家林良的《松鹤图》，整个画的画龙点睛之笔是松鹤，而在鹤的旁边有大量的空白，画家把自己的名字署在空白的地方，显示出当时画家的地位已经有所提升，署款一定要署在一个非常显眼的位置。

　　同时值得注意的是，明朝的宫廷画家还习惯于在画上面署上自己的官衔。就像现在很多人印名片，会把自己得意的职位印上去，古代很多的画家、书法家在签自己的官名的时候，往往会把两到三种自己认为最得意的、最能光宗耀祖的、行政级别最高的职衔写上去。明朝早期还出现了一种现象，就是很多画家习惯于给自己的画直接命名。北宋张择端的《清明上河图》等画作，名字都不是画家本人起的，而是后人起的，直到明朝早期的时候，画家才开始给自己的画作命名。

　　到了清代以后，书画署款方式的时代特色不是很鲜明，书画家的构成也比较复杂，所以在清朝中后期出现了一个多元化的署款方式。但是尽管如此，还是能总结出一些小小的特点。就是他们习惯于在一个绘画上面题上一个“仿某某法”，这个其实就体现出当时画家的一种不自信，他们很多人即便是没有仿某一家，可能都会这样写，表现出自己的画是渊源有志、有所取舍或者有文化的底蕴。明朝后期的很多画家，基本上都不写“仿某某家”，即便是真的仿某某家也不会写，这和清朝后期的截然相反。清朝后期即便没有学某一家、即便是自己的独创、自己的原创，他也会写上“某某仿”或者“某某家”。比如像任熊的“仿新罗山人粉本，谓长画”，其实与前人是完全不相干的，几乎没有任何的传承关系。

关键词：书画,鉴定,专家